“Viva la Vida or Death and All His Friends”: un álbum único y con grandes influencias: Última parte

Continuamos con la tercera y última parte de este álbum de Coldplay, “Viva la Vida or Death and All His Friends”. Hemos analizado grandes canciones pero dejamos lo mejor para el final. En esta parte hablaremos de las dos canciones centrales que le dan nombre al álbum. ¡Comenzamos!

7. Viva la vida
Video oficial

Como piedra angular, esta canción debía de tener un significado especial, ya que no solo la melodía incita la alegría y la emoción a montones, sino que es un mensaje de revolución desde el punto de vista tirano, del dictador, el rey comparado con un dios:

I used to rule the world       (Solía gobernar el mundo)

Seas would rise when I gave the word   (Los mares se levantaban cuando yo daba la palabra)

Now in the morning I sleep alone    (Ahora por la mañana duermo solo)

Sweep the streets I used to own    (Barro las calles que solía poseer)

El rey Luis XVI

Asimismo, viendo la portada del álbum, nos encontramos con la pintura de Eugène Delacroix, “La libertad guiando al pueblo”, obra imprescindible de la Revolución Francesa, de tal modo que esta canción podría enfocar a Luis XVI, el rey con el que cae el absolutismo francés, como el narrador en esta canción:

I used to roll the dice       (Solía tirar los dados)

Feel the fear in my enemy’s eyes    (Sentir el miedo en los ojos de mi enemigo)

Listened as the crowd would sing      (Escuchaba como la multitud cantaba)

Now the old king is dead long live the king     (Ahora el viejo rey ha muerto, larga vida al rey)

One minute I held the key                                  (Un minuto tuve la llave)

Next the walls were closed on me           (Luego los muros se cerraron sobre mí)

And I discovered that my castles stand     (Y descubrí que mis castillos se levantan)

Upon pillars of salt and pillars of sand      (Sobre pilares de sal y pilares de arena)

«La Libertad guiando al pueblo» de Eugène Delacroix
260 cm x 325 cm
Óleo sobre tela
Museo del Louvre, París, Francia

Por consiguiente, en esta estrofa, dicho rey se da cuenta de sus errores y en todo el daño que hizo debido a la ambición de poder. Si bien describe a un dictador déspota en decadencia, la música del coro levanta el ánimo, que de un cierto modo, sería el pueblo levantándose en armas poniendo su derrota inminente. Cabe destacar que la mujer en el centro de la pintura, es Marianne, quien es una alegoría de la República Francesa, símbolo de la libertad, la igualdad y la fraternidad (Liberté, Égalité et Fraternité). 

I hear Jerusalem bells a-ringing         (Oigo sonar las campanas de Jerusalén)

Roman cavalry choirs are singing     (Los coros de la caballería romana están cantando)

Be my mirror, my sword and shield  (Sé mi espejo, mi espada y mi escudo)

Missionaries in a foreign field           (Misioneros en un campo extranjero)

For some reason I can’t explain  (Por alguna razón que no puedo explicar)

Once you’d gone there was never    (Una vez que te fuiste nunca hubo)

Never an honest word                         (Nunca una palabra honesta)

And that was when I ruled the world  (Y eso fue cuando goberné el mundo)

A través del coro, el narrador hace una breve referencia a lo que ya no tiene, ya sea el aprecio y la aprobación de su pueblo como alegoría debido a las mentiras y su deshonestidad. El bajo ofrece un ambiente místico y sobrenatural y no olvidemos los tambores que invocan una banda de guerra así como la campana. 

El pueblo revolucionario francés

Esta energía continúa con la siguiente estrofa conserva la marcha y la melodía con el violín y el contrabajo (cuyo uso es bastante innovador en la banda) inspiran nostalgia sin olvidar el piano que complementa aún más ese aspecto de melancolía para el rey, pero gloria para el pueblo sublevado. Asimismo, el rey describe su ascenso déspota que lo hizo perder el juicio y que al final desembocó en una revolución donde él lo perdió todo.

It was a wicked and wild wind                         (Era un viento malvado y salvaje) 

Blew down the doors to let me in             (Derribó las puertas para dejarme entrar)

Shattered windows and the sound of drums     (Rompió las ventanas y el sonido de los tambores)

People couldn’t believe what I’d become  (La gente no podía creer en lo que me había convertido)

Revolutionaries wait                                         (Los revolucionarios esperan)

For my head on a silver plate                            (Mi cabeza en una bandeja de plata)

Just a puppet on a lonely string         (Sólo una marioneta en una cuerda solitaria)

Oh who would ever want to be king?       (Oh, ¿quién querría ser rey?)

La estructura del imperio francés, los pobres (Tercer Estado) cargando a la nobleza y al alto clero.

En el segundo coro, existe una variante que hace referencia a la religión, el rey ha perdido todo, incluso la fe, si bien los misioneros lo han abandonado, los santos y la gracia también. Históricamente, la iglesia o el alto clero había sido un aliado importante de la realeza en Francia, misma estructura que desencadenó la Revolución Francesa.

My missionaries in a foreign field   (Mis misioneros en el extranjero)

For some reason I can’t explain   (Por alguna razón que no puedo explicar)

I know St Peter won’t call my name    (Sé que San Pedro no dirá mi nombre)

Un dato interesante es que en la biblia, San Pedro es aquel que tiene las llaves del cielo, por lo que al no ser llamado por él, el rey no tendrá acceso a la gloria eterna por todas sus fechorías.

De tal modo que Viva la vida es no solo una canción que relata la revolución, sino que lo hace desde la perspectiva del tirano, mismo que puede estar deslumbrado por la acción y la fuerza del pueblo que está presente gracias a la melodía.

8. Violet Hill
Video oficial

Esta canción es una de las preferidas del público, ya que recobra el género del rock gracias a la potente guitarra eléctrica a través de la primera estrofa, acompañada de un intro de sintetizadores, “Violet Hill “ se convierte en un himno para los amores no correspondidos.

It was a long and dark December                     (Fue un diciembre largo y oscuro)

From the rooftops I remember                          (Desde los tejados recuerdo)

There was snow, white snow                           (Había nieve, nieve blanca)

Clearly I remember                                           (Recuerdo claramente)

From the windows they were watching           (Desde las ventanas miraban)

While we froze down below                (Mientras nosotros nos congelábamos abajo)

When the future’s architectured                        (Cuando el futuro es arquitectónico)

By a carnival of idiots on show                        (Por un carnaval de idiotas en el show)

You’d better lie low                                          (Será mejor que te escondas)

If you love me, won’t you let me know?          (Si me amas, ¿no me lo harás saber?)

El Monte Edna, lugar donde se filmó el video

Así como “Lovers in Japan” nos encontramos con el campo semántico de la guerra, el intérprete es un soldado, en la guerra, en un contexto de pesimismo con la nieve blanca, el frío invernal y el recuerdo de paz que, para un soldado, se ve lejano y deseado, Sin embargo, esta vez muy concentrado en una relación fallida, un amor que no es correspondido y que está a medias.

Was a long and dark December                        (Fue un diciembre largo y oscuro)

When the banks became cathedrals  (Cuando los bancos se convirtieron en catedrales)

And a fox became God                                (Y un zorro se convirtió en Dios)

Priests clutched onto bibles          (Los sacerdotes se aferraban a las biblias)

Hollowed out to fit their rifles                           (Ahuecadas para encajar sus rifles)

And a cross held aloft                                       (Y una cruz sostenida en alto)

Bury me in armour                                            (Enterradme con una armadura)

When I’m dead and hit the ground                    (Cuando esté muerto y caiga al suelo)

My nerves are poles that unfroze           (Mis nervios son palos que se descongelan)

And if you love me, won’t you let me know?   (Y si me amas, ¿no me lo harás saber?)

En esta estrofa, el intérprete hace referencia a la religión, donde el soldado encuentra una cierta calma y salvación ante el ambiente destructivo. Si bien hay una alusión muy fuerte a la guerra, también se puede tomar como una crítica. De la misma manera, el desamor se combate por medio del amor y la paz de la muerte, o bien, de la verdad. Al saber que es un amor a medias, el intérprete no soporta la duda de su amante, quien no es clara en sus sentimientos.

I don’t want to be a soldier                        (No quiero ser un soldado)

Who the captain of some sinking ship     (Que el capitán de un barco que se hunde)

Would stow, far below.                                  (Se esconde, muy abajo).

So if you love me, why d’you let me go?      (Así que si me amas, ¿por qué me dejas ir?)

I took my love down to violet hill                        Llevé a mi amor a la colina violeta

There we sat in snow                                           (Allí nos sentamos en la nieve)

All that time she was silent still                  (Todo ese tiempo ella estuvo en silencio)

Said if you love me, won’t you let me know?     (Dijo si me amas, ¿no me lo harás saber?)

If you love me, won’t you let me know?           (Si me amas, ¿no me lo harás saber?)

A través las últimas estrofas, el intérprete renuncia a la guerra, al desespero y emprende una búsqueda hacia la verdad, con el fin que su pareja realmente confiese su amor, esta última imagen, junto con las preguntas sin respuesta, generan incertidumbre. Curiosamente, el color violeta, en uno de sus múltiples significados, representa el misterio pero también la sabiduría.

9. Strawberry Swing
Video oficial

They were sitting                                                 (Estaban sentados)

They were sitting on the strawberry swing          (Estaban sentados en el columpio de fresas)

Every moment was so precious                           (Cada momento era tan precioso)

They were sitting                                                (Estaban sentados)

They were talking under strawberry swing        (Hablaban bajo el columpio de fresas)

Everybody was for fighting                                (Todos estaban para pelear)

Wouldn’t want to waste a thing                           (No querían desperdiciar nada)

Una canción con melodía cálida y tranquila y tan solo con el título produce una sinestesia de dulzura y sabor a nostalgia de la infancia ya que recuerda al sabor de las fresas y los columpios en los parques. De tal modo que remonta a un amor inocente de niñez, mismo que podría compaginarse en el famoso amor a primera vista, el comienzo de un gran sentimiento.

Dato Curioso

Es una canción reside en la influencia de la música africana de Zimbabwe ya que la madre de Chris Martin es originaria de ese país y él vivió muchas experiencias ahí.

I remember we were walking up to strawberry swing    (Recuerdo que estábamos caminando hacia el columpio de fresa)

I can’t wait until the morning             (No puedo esperar hasta la mañana)

Wouldn’t want to change a thing                         (No querría cambiar nada)

Conforme van pasando las estrofas, el tema central se hace presente, es el recuerdo de un amor que fue glorioso en su tiempo y a través del intérprete nos damos cuenta de la fuerza que tuvo en su ser. 

Ah-ah-ah-ah-iiiiii                                    

Now the sky could be blue I don’t mind   (Ahora el cielo podría ser azul no me importa)

Without you it’s a waste of time                          (Sin ti es una pérdida de tiempo)

Could be blue I don’t mind                                 (Podría ser azul no me importa)

Without you it’s a waste of time                          (Sin ti es una pérdida de tiempo)

Now the sky could be blue could be grey          (Ahora el cielo podría ser azul podría ser gris)

Without you I’m just miles away                   (Sin ti estoy a kilómetros de distancia).

Es una balada que combinada con el rock y el pop y que a su vez refleja ternura y magia con la estrofa final no solo por la letra sino por la melodía. Siendo un viaje más a través de este álbum.

10. Death and All His Friends

La canción que en un principio sería el título original del álbum, también tiene mucho que ofrecer con solo cerrar este recorrido de historias y encantos. Una melodía tranquila con el sonido del piano que se acompaña poco con la guitarra. Sin importar que la letra no tenga la misma profundidad que las canciones anteriores, esta canción nos hace reflexionar sobre el amor verdadero y el sacrificio y el sentimiento que implica. He aquí las dos estrofas importantes:

All winter we got carried                                           (Todo el invierno nos llevamos)

Away over on the roof tops, let’s get married               (En las azoteas, casémonos)

All summer we just hurried                                      (Todo el verano nos apresuramos)

So come over, just be patient and don’t worry (x2)    (Así que ven, sé paciente y no te preocupes)

[…] 

No, I don’t want a battle from beginning to end.        (No quiero una batalla de principio a fin).

I don’t want a cycle of recycled revenge.    (No quiero un ciclo de venganza reciclada).

I don’t want to follow death and all of his friends.  (No quiero seguir a la muerte y a todos sus amigos).

Al final de la canción, hay otro ambiente, no muy distinto que el primero, es un instrumental que marca el fin, el fin del viaje, un viaje lleno de sueños y vivencias, tanto buenas como malas. Sin duda, esta canción es la idónea para terminar este álbum.

Y así como todo principio tiene un fin, hemos terminado nuestro viaje a través de este álbum de Coldplay, ¿Cuál es tu canción favorita? ¿Recomendarías este álbum? Dinos en los comentarios tu opinión y mientras, nos veremos en otro mes para otro tema fascinante. 

“Viva la Vida or Death and All His Friends”: un álbum único y con grandes influencias: Segunda parte

Seguimos con este especial de 3 partes sobre el famoso álbum de Coldplay, donde abordaremos tres canciones más. Sin olvidar que este 12 de junio fue el aniversario de su lanzamiento, cumpliendo ya 13 años.

¿Sabías qué?

Este álbum fue el más vendido del 2008 con 7 millones de copias vendidas alrededor del mundo. A su vez, este álbum fue nominado a «Mejor Álbum del Año» en los Grammys del año 2009. Pero ganó la categoría de «Mejor álbum rock» en la misma premiación.

4. 42
Audio original de la canción

Una canción con muchos mensajes en relación con los números. Tan solo el número 42, según la numerología, representa el destino, el destino de seguir adelante, pero nunca olvidar todo lo que has vivido y aprendido de las malas experiencias:

Those who are dead are not dead   (Quienes están muertos no lo están)

They’re just living in my head            (Ellos solo viven en mi cabeza) 

And since I fell for that spell       (Y desde que caí en este hechizo)

I am living there as well                  (También estoy viviendo ahí)

Time is so short                             (El tiempo es muy corto)

  And I’m sure                                     (Y estoy seguro)

There must be something more        (Debe haber algo más)

El número 42 tiene un significado

Esta canción maneja tres tiempos con una diversidad creciente, primero con la voz de Martín y el sonido del piano, después en el puente de la canción, el ritmo solemne se convierte en un ambiente de movimiento con las guitarras y los bajos. Para regresar finalmente a la tranquilidad del principio.

Esta canción abarca también el tema de la muerte, siendo esta una batalla grande en la historia del locutor, curiosamente, siendo la cuarta canción del álbum y de acuerdo con la tradición japonesa, el número 4 trae mala suerte ya que la palabra «muerte» y «cuatro» en japonés tienen la misma pronunciación.

A pesar de estas referencias que desembocan en la tragedia, el propósito de la canción es resaltar el efecto de recuperarse de una pérdida, ya sea amorosa o de otro tipo, pero que la vida aún vale la pena y es gracias al buen recuerdo de dicha perdona que se logrará dicha acción:

You thought you might be a ghost! (¡Pensaste que podrías ser un fantasma!)

You didn’t get to heaven but you made it close (No llegaste al cielo pero lo acercaste)

5. Lovers in Japan / Reign of love

Aquí puedes escuchar la canción completa: https://youtu.be/PSRhDQJeG-o

Video oficial

Esta canción tiene una particularidad bastante inusual, está dividida en dos partes, la primera titulada «Lovers in Japan» y la segunda con el nombre de «Reign of Love» con un mensaje peculiar: el amor y la batalla.

La canción inicia con una alegre melodía que nos remonta al Oriente, la alegría de Japón, con sus flores de cerezo y hermosos amaneceres. Un lugar bello y mágico donde el romance puede surgir, así es como la banda lo afirmó.

Osaka, ciudad japonesa mencionada en la canción

Al contrario de las otras canciones, «Lovers in Japan» permanece como la solución, el optimismo de encontrar el camino y volver a amar, volverse a encontrar. Se toman las comparaciones entre atletas, soldados y amantes para enunciar que el amor y el deber tienen la convicción de alcanzar lo que quieren.

Lovers keep on the road you’re on (Amantes sigan en el camino que llevan)

Runners until the race is run (Corredores hasta correr la carrera)

Soldiers you’ve got to soldier on (Soldados tenéis que seguir soldados)

Sometimes even the right is wrong (A veces hasta lo correcto está mal)

También se puede traducir como aquellas parejas que están separadas por causas del destino tal como sería en una guerra. Asimismo, el deber y el amor serán salvados gracias a la esperanza de pensar en un futuro mejor, en un nuevo día y con el optimismo de verse otra vez.

They are turning my head out (Me están dando vuelta la cabeza)

To see what I’m all about (Para ver lo que soy)

Keeping my head down (Manteniendo mi cabeza abajo)

To see what it feels like now (Para ver lo que se siente ahora)

And I have no doubt (Y no tengo ninguna duda)

One day we’re going to get out (Un día vamos a salir)

Tonight maybe we’re gonne run (Esta noche tal vez vamos a correr)

Dreaming of the Osaka sun (Soñando con el sol de Osaka)

Ohohohoh ohohohoh

Dreaming of when the morning comes (Soñando con que llegue mañana)

En la segunda parte, «Reign of love» tiene muchas referencias sobre la religión tal como el rezo, el océano y la plaga de langostas, pero el tema central es el amor desde el punto ceremonioso y puro del catolicismo. Podríamos imaginar que es una pareja antes de llegar al altar puesto que la música tiene un tono más profundo que la vivacidad de la primera parte.

Reign of love (Reinado de amor)

I can’t let go (No puedo dejarlo ir)

To the sea I offer this heavy load (Al mar le ofrezco esta pesada carga)

Locust wind (Viento de langostas)

Lift me up (Levántame)

I’m just a prisioner in a reign of love (Solo soy un prisionero en un reino de amor)

Reign of love by the church we’re waiting (Reinado de amor por la iglesia que estamos esperando)

Reign of love on my knees go praying (Reinado de amor en mis rodillas ir rezando)

How I wish I’d spoken up (Como me gustaría haber hablado)

Away get carried on a reign of love (Lejos de llegar a un reinado de amor)

6. Yes
Audio original de la canción

Si bien la canción anterior es sobre esperanza y solemnidad, «Yes» es un poco más audaz e intrépida. Nos alejamos de la tranquilidad del sol naciente para emprender un enigmático viaje al Medio Oriente, en un tiempo de la Edad Media, por la antigua Constantinopla, donde todo era arena desértica y grandes palacios, todo gracias a la potente melodía.

When it started we had high hopes (Cuando empezó teníamos grandes esperanzas)

Now my back’s on the line (Ahora mi espalda está en la línea)

My back’s on the ropes (Mi espalda está en las cuerdas)

When it started we were alright (Cuando empezó estabamos bien)

But night makes a fool (Pero la noche nos deja en rídiculo)

Of us in daylight (De nosotros en la luz del día)

Si se toma en cuenta el aspecto de la guerra, encontramos el paralelismo entre ideas revolucionarias que, en un principio, son totalmente optimistas y repletas de emoción. Sin embargo, una vez la batalla estancada, se recae de nuevo en la realidad. Esto se compara a una relación amorosa. En seguida, la segunda estrofa demuestra el pesimismo y el deterioro de dicha relación que ha pasado a la monotonía y provoca a su vez una brecha entre la pareja.

There were dying of frustration (Estábamos muriendo de frustración)

Saying, «Lord lead me not into temptation» (Diciendo: «Señor, no me dejes caer en tentación»)

But it’s not easy when she turns on you (Pero no es fácil cuando ésta te enciende)

Sin, stay gone (Pecado, no te vayas)

La antigua Ciudad de Constantinopla

A través de estas estrofas, el adulterio y la tentación se hacen presentes en la relación, por lo que el intérprete demuestra su necesidad de cubrir su soledad y desapego por medio de alguien más. Si retomamos el contexto donde nos transporta la melodía, el adulterio en la Edad Media era un acto que podía costarte la vida. De tal modo que el intérprete está proponiendo una propuesta indecente para saciar sus deseos incluso si su vida está en juego:

If you’d only if you’d only say yes (Si tan solo, si tan solo dijeras sí)

Whether you will’s anobody’s guess (Si lo harás, nadie sospechará)

God only God knows I’m trying my best (Solo Dios sabe que estoy haciendo lo mejor que puedo)

But I’m just tired of this loneliness (Pero estoy tan cansado de esta soledad)

De tal modo que esta canción es bastante pícara, así como muestra el lado opuesto de «Reign of Love», que simboliza la pureza, poniendo en evidencia las restricciones de la Iglesia en cuanto a la infidelidad.

Otra curiosidad es que esta canción tiene a su vez otra melodía (que comienza en el minuto 4 aproximadamente) y que no necesariamente está ligada a la letra, pero nos muestra las cualidades de Coldplay hacer melodías agradables y que incitan al viaje.

Con esto terminamos el pasaje de hoy, ¿Tienes otros mensajes u otros significados con alguna de las canciones? No dudes en compartirlos con nosotros. No se pierdan la siguiente edición y la última parte de este especial dedicado a este magnífico álbum. ¡Hasta la próxima!

Coldplay GIFs | Tenor

“Viva la Vida or Death and All His Friends”: un álbum único y con grandes influencias

Con un especial dividido en 3 partes, acompáñame a descubrir el cuarto álbum de la banda “Coldplay” con sus múltiples significados y una que otra curiosidad.

La banda Coldplay (de izquierda a derecha Will Champion, Guy Berryman, Chris Martin y Johnny Buckland

En el año 1998, Chris Martin, Jonny Buckland, Guy Berryman, Will Champion y Phil Harvey formaron la banda británica “Coldplay”, quien originalmente iba a ser llamada Pectoralz, luego Starfish. El nuevo siglo le dio a esta banda la oportunidad de grabar su primer álbum “Parachutes”, que fue un buen inicio para cultivar su carrera en la industria musical. Luego de otros éxitos como “The Scientist”, “Clocks” o “Speed of the Sound”, la banda logró obtener una popularidad absoluta.

Hasta ahora, Coldplay es considerada una de las bandas de rock pop más inspiradoras. Ya que su talento y su estilo musical son totalmente dinámicos con cada álbum.

Un álbum que de verdad es una joya y digno de recordar es sin duda, “Viva la Vida or Death and All His Friends”, por su energía e influencias muy variadas alrededor de sus canciones. Es por eso que compartiremos un poco de su historia y un significado de cada una de sus canciones a través de tres partes.

El contenido

«Viva la Vida”, o bien, su nombre original “Viva la Vida or Death and all his friends” es el cuarto álbum de Coldplay. Se publicó el 12 de junio de 2008 tras dos años de grabar singles y canciones. Se compone de 10 canciones, incluyendo 5 singles con diversos remixes. Pero las canciones del álbum original son:

Portada del álbum
  1. Life in Technicolor
  2. Cemeteries of London
  3. Lost!
  4. 42
  5. Lovers in Japan
  6. Yes
  7. Viva la Vida
  8. Violet Hill
  9. Strawberry Swing
  10. Death and All His Friends

Frida Kahlo en el origen del nombre 

¿Sabías qué? 

Originalmente, el álbum se iba a llamar únicamente “Death and all His Friends”. Chris Martin, el vocalista de la banda buscaba específicamente un título que contrastara con la temática de revolución . Sin embargo, cuando la banda estuvo en México con el motivo de la gira mundial, visitó el Museo Frida Kahlo y Diego Rivera. Dentro del museo, Martin se interesó mucho en un cuadro, se trataba de “Viva la Vida” (1954).

“Viva la vida”, (1954, óleo sobre masonita, 59 x 50 cm, Museo Frida Kahlo, Coyoacán, México)

Este bodegón con la frase “Viva la Vida” fue sin duda la inspiración para Chris Martin. Sabiendo a su vez, de la trágica y difícil vida de la pintora, al vocalista le pareció algo totalmente osado, audaz y sobre todo algo que se debía de admirar, mismo que era el toque final del álbum.

Las canciones: una mezcla de emociones

1. Life in Technicolor 

Aquí puedes escuchar la canción: https://www.youtube.com/watch?v=sPD59NTahc0

A pesar de ser un instrumental, es una composición que representa el comienzo de una nueva aventura y un cambio para dejar atrás el arquetipo del artista que debe de cantar en todo su álbum, así lo indicó Martin, vocalista de la banda. Es una melodía que combina el estilo de la música clásica y la electrónica, es suave y movida, tal como un viaje al bosque durante un campamento, mismo que representa la nueva aventura hacia un nuevo álbum y un nuevo estilo.

Tiempo después, a principios del 2009, la banda lanzó un sencillo con letra usando este instrumental nombrado: “Life in Technicolor ii”.

2. Cemeteries of London

Aquí puedes escuchar la canción: https://www.youtube.com/watch?v=v6gxuxw69z0

At night they would go walking (Por la noche salían a pasear)

‘Til the breaking of the day (Hasta el amanecer)

The morning is for sleeping (La mañana es para dormir)

Through the dark streets they go searching (Por las calles oscuras van buscando)

To see God in their own way (Para ver a Dios a su manera)

Save the night time for your weeping (Guarda la noche para tu llanto)

Your weeping (Tu llanto)

Singing lalalalalalalalaiy (Cantando lalalalalalalaiy)

And the night over London lay (Y la noche sobre Londres yace)

Un cementerio en Londres

Inspirada en las leyendas de brujas y fantasmas que habitan en los cementerios londinenses, y que a su vez, recuerdan la época Victoriana. Su estilo profundo e hipnótico te permite imaginarte en un ambiente gris y místico. 

Es considerada la canción más oscura de Coldplay ya que evoca cosas sobrenaturales y el sonido es un tanto oscuro y extraño, pero con un significado profundo y atractivo.

Otros significados hallados al escuchar la canción es que nos conduce al conocido y enigmático río Támesis, que tiene cientos de leyendas sobre asesinatos y ahogamientos, así como tesoros descubiertos y por descubrir. Tomando el ejemplo del siguiente fragmento:

So we rode down to the river (Así que cabalgamos hasta el río)

Where Victorian ghosts pray (Donde los fantasmas victorianos rezan)

For their curses to be broken (Para que se rompan sus maldiciones)

Representación de un bautismo en el Támesis, uno de las muchas actividades místicas y religiosas efectuadas en ese río

Según la tradición inglesa, el asesinar a alguien en cerca de un cuerpo de agua te porta una maldición en la que el alma de la víctima te perseguirá por el resto de tu vida. De este modo, la canción nos transporta y nos lleva a hacernos muchas preguntas, y, de igual manera, despertar nuestra curiosidad en visitar el afamado Támesis.

Si bien esta canción tiene un tinte sobrenatural, la búsqueda religiosa es también comentada:

God is in the houses (Dios está en las casas)

And God is in my head (Y Dios está en mi cabeza)

And all the cemeteries of London (Y en todos los cementerios de Londres)

I see God come in my garden (Veo a Dios entrar en mi jardín)

But I don’t know what he said (Pero no sé lo que dijo)

For my heart it wasn’t open (Porque mi corazón no estaba abierto)

Not open (No estaba abierto)

Singing lalalalalalalalaiy (Cantando lalalalalalalaiy)

And the night over London lay (Y la noche sobre Londres yace)

Singing lalalalalalalalaiy (Cantando lalalalalalalaiy)

There’s no light over London today (No hay luz sobre Londres hoy)

Sin embargo, la ausencia del canto representa el hecho sobrenatural que vive Londres ante las tragedias y la oscuridad de la noche y sobre los espíritus que andan en pena al estar alejados de Dios y del cielo. De tal modo que esta canción recobra la leyenda sobre esas almas en pena, misma que de algún modo permite transportarnos al pasado para poder conocerla.

3. Lost!

Aquí puedes escuchar: https://www.youtube.com/watch?v=0UHUQ9wuNKI

A diferencia de la canción anterior, Lost! representa la esperanza de superar los problemas y los momentos difíciles. A primera instancia la canción sería la representación del fallo de una relación entre dos personas. Por un lado tenemos al “perdedor” que no se ha dado por vencido a pesar de que no sabe su destino (1era estrofa) y por otro lado tenemos al “ganador” que trata de justificar sus hechos (2da estrofa).

Just because I’m losing (Sólo porque estoy perdiendo)

Doesn’t mean I’m lost (No significa que esté perdido)

Doesn’t mean I’ll stop (No significa que me detenga)

Doesn’t mean I’m across (No significa que esté cruzando)

Just because I’m hurting (Sólo porque estoy sufriendo)

Doesn’t mean I’m hurt (No significa que esté herido)

Doesn’t mean I didn’t get what I deserved (No significa que no haya recibido lo que merecía)

No better and no worse (Ni mejor ni peor)

Sin embargo, al tener solo la primera persona del singular (yo), puede llegar a simbolizar solo los defectos de una persona, él sabe que los tiene, que obró mal pero está dispuesto a cambiar y a crecer, incluso si las personas que le dieron la espalda lo han abandonado. Si bien regresamos al primer análisis, después de haber escuchado al “ganador”, la persona que “perdió” va demostrar que no ha perdido y que puede salir adelante a pesar de que ahora todo esté en su contra.

I just got lost! (Solo me perdí)

Every river that I tried to cross (Cada río que intenté cruzar)

Every door I ever tried was locked (Cada puerta que intenté estaba cerrada)

Oh and I’m just waiting til the shine wears off (Oh, y sólo estoy esperando hasta que el brillo se desvanezca)

You might be a big fish (Puedes ser un gran pez)

In a little pond (En un pequeño estanque)

Doesn’t mean you’ve won (No significa que hayas ganado)

‘Cause along will come (Porque vendrá uno más grande)

A bigger one (Uno más grande)

Sin duda es una canción con lenguaje sencillo pero con una melodía que logra despertar entusiasmo y que conlleva a un momento de reflexión muy ameno. Gracias a las anáforas (Doesn’t mean que se traduce como “No significa”) se puede interpretar como la persistencia. Asimismo, la banda lanzó un single llamado Lost?, que está más enfocado en los sonidos del piano y más acústico, lo cual lo hace más solemne.

Portada del sencillo

Con tan solo tres canciones, este álbum ha demostrado un buen inicio que denota en múltiples referencias. En nuestra siguiente parte, nos centraremos en otras tres canciones que son igual de importantes y significativas en este álbum de Coldplay. ¡No te las pierdas!

Para saciar la curiosidad:

La fotógrafa que recrea las leyendas ocultas del Támesis: 

Página oficial de la banda Coldplay:

PINA BAUSCH Y EL MUNDO DE LA DANZA

Arte a tu lado.

Me encantaba bailar porque tenía miedo a hablar. Pero cuando me movía, podía sentir

Pina Bausch

Philipinna Bausch, conocida como Pina Bausch

En medio de la Segunda Guerra Mundial, el 27 de julio de 1940, nace una de las bailarinas más talentosas de la historia, siendo catalogada como la mejor coreógrafa del siglo 20 por revolucionar el mundo de la danza, transformándola con los detalles más finos y expresivos hasta el punto de fusionarla el teatro. Se trata de Pina Bausch.

Talentosa desde siempre 

Durante su infancia, creció en la ciudad de Solingen en Alemania, sus padres eran dueños de un hotel-restaurante. Es en este cuadro, donde Bausch desarrollaría su gran talento, puesto que se le veía hacer movimientos para comunicarse, prefiriendo así las acciones en lugar de las palabras. Debido a esto, a la edad de 14 años, sus padres deciden apoyarla en su sueño. Estudió entonces en la «Folkwang School» junto al coreógrafo alemán Kurt Jooss.

Kurt Jooss

“Tu fragilidad es también tu fuerza” 

Una formación exitosa y particular

Bausch en «The Juilliard School»

A los 19 años, Pina Bausch se gradúa con honores de «Folkwang School», para ingresar a “The Juilliard School”, famoso conservatorio situado en Nueva York y uno de los más reconocidos en el arte dramático y artístico. Esta formación le dio la oportunidad de conocer a grandes bailarines como Anthony Tudor, José Limón, Alfredo Corvino y Paul Taylor.

En 1961, Bausch se desempeña en la Ópera de Nueva York y en el New American Ballet, pero Kurt Jooss la invita a participar en su compañía “Folkwang Ballett”.  Pina Bausch regresa a Alemania y se incorpora en el proyecto de Jooss al año siguiente.

“Folkwang Ballett”

Pina Bausch y Kurt Jooss

“Folkwang Ballett” le permite hacer giras alrededor de Europa haciendo que su talento de bailarina fuera mucho más reconocido. Del mismo modo, esta oportunidad le otorga desarrollarse como coreógrafa. En 1968, presenta su primera obra como coreógrafa “Fragment”. Tiempo después, en 1969 se convierte en la directora de la compañía. Sin duda, esta experiencia refleja cada vez más el ingenio de Bausch para representar su habilidades en el arte corporal.

 “Cuando empecé a coreografiar, nunca pensé en ella como la coreografía sino como la expresión de sentimientos”

El éxito de su coreografía: Un arte jamás visto

Entre los detalles y los temas más representativos en sus presentaciones, se observan la vida, el miedo y la batalla de los sexos. Siendo este último el más definido, ya que a través de sus obras los hombres y las mujeres demuestran sus pasiones y el conflicto está siempre implícito. Pina Bausch perfeccionó estos detalles, y a su vez, metió nuevas emociones tales como el amor, el poder o la soledad. 

En 1972, Bausch crea su propia compañía llamada “Wuppertal Ópera Ballet” que después nombraría “Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.” Esta compañía representó mundialmente a la danza-teatro, siendo de alta categoría a lo largo de sus funciones. Asimismo este proyecto se concibió para desempeñar un nuevo género de danza: la danza-teatro.

Representación: «La consagración de la primavera»

La consolidación de la danza-teatro es llevada a cabo particularmente a la coreografía “La consagración de la Primavera” (1975). En 1976, las coreografías realizadas en la compañía de Pina Bausch adquieren mucha más autenticidad, saliéndose del campo del ballet tradicional o moderno. De este modo, son más exitosas.

«No me interesa cómo se mueve el ser humano, sino aquello que lo conmueve.»

A finales de la década de los 70, Wuppertal Ópera Ballet tiene tanto reconocimiento a nivel mundial, con más de 30 producciones propias, que inspira a otros bailarines de la época a formarse en el ámbito de la danza. 

Representación de Café Müller en 1978

Grandes representaciones como: “Barbe bleue” (1977), «Café Müller» (1978), obra que plasma la infancia de Pina Bausch bajo el ambiente pesimista de la postguerra, «Nelken» (1982), «Palermo, Palermo» (1989), «Danzón» (1995) y «Bamboo Blues» (2006). 

Bausch siempre se concentró en los detalles de la escenografía antes que cualquier otra cosa, puesto que ella consideraba que el lugar era el detonante para las emociones y lo que se iba a expresar. La mayoría de sus representaciones, sus bailarines estaban descalzos y el piso cubierto de tierra o agua. Por otro lado, en sus coreografías, Bausch trató siempre de mostrar todas las facetas del ser humano sin importar lo crudas o crueles que fueran.

De la danza al cine

Además de la danza, Pina Bausch tenía al cine como una de sus pasiones. En 1983, el director italiano Federico Fellini invita a Bausch a participar en su cinta “Y la nave va”, una sátira del poder inmerso en el mundo de la ópera. En 1990, Bausch filma una película llamada “El lamento de la emperatriz”, película que representa todos los elementos poéticos y artísticos que inculca en su trabajo. Posteriormente, en 2002, Pedro Almódavar produce una cinta homenaje titulada “Hable con ella” que conmemora a la coreografía “Café Müller”.

“Baila, baila de otra manera estaremos perdidos”

Últimos proyectos

Wim Wenders y Pina Bausch

En 2009, Pina Bausch trabajó junto al documentalista Wim Wenders con el fin de realizar una película documental sobre su compañía de danza. Lamentablemente, este proyecto quedaría, en un principio, inconcluso debido a la muerte de Pina Bausch el 30 de marzo del mismo año. Sin embargo, a pesar de su muerte, Wenders terminaría su película, y una vez terminada, rindió homenaje al trabajo de Bausch llevando así el nombre de “Pina”.

Sin duda, Pina Bausch demuestra que la danza no representa solo movimientos, sino también historias y, sobre todo, sentimientos y pasiones, una mujer que siguió siempre sus sueños y convicciones dejando un legado en el mundo de la danza contemporánea. 

“Todo debe venir del corazón, debe ser vivido” 

Pina Bausch

Para saciar la curiosidad…

Dejamos el trailer del documental “Pina” (2011) y la representación «La consagración de la primavera»:

Pina (documental 2011)
«La Consagración de la Primavera»

¿Por qué «Lo que el viento se llevó» se convirtió en una película polémica y significativa?

«Aunque tenga que matar, engañar o robar, a Dios pongo por testigo de que jamás volveré a pasar hambre».

Scarlett O’Hara

Inspirada en la magnífica novela de Margaret Mitchell, el director Victor Fleming lleva a la pantalla grande “Lo que el viento se llevó” («Gone with the wind»), una excepcional historia llena de drama y asombro.


El 15 de diciembre de 1939, el estreno de este rodaje protagonizado por Vivian Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland y Leslie Howard significó un éxito único y un legado permanente tanto en el cine como en la cultura y memoria estadounidense. En la actualidad, la cinta sigue causando polémica por su contenido racista, o bien, por su influencia en el séptimo arte.

A continuación te presentamos los elementos que hicieron de esta película un hito que permanece vigente en la actualidad.

Un éxito en taquilla y en los Óscar

Pese a que hayan pasado 80 años de su estreno, Lo que el viento se llevó, continúa siendo la película más taquillera de la historia, esto claro si tomamos en cuenta la inflación actual en el costo de los boletos. Recaudó alrededor de 393,4 millones de dólares en su tiempo, esto equivaldría a 101 su valor original de presupuesto. La duración de la película es de 4 horas con un breve intermedio, pero sin duda alguna hizo que los espectadores se quedaran en sus butacas cada minuto de la proyección.

Por otro lado, en Atlanta (lugar donde se desarrolla la película), hubo varios festejos y un desfile, que se ganó, incluso, la etiqueta de “día festivo”, por parte del alcalde de la ciudad en esa época.

Del mismo modo, cuando “Lo que el viento se llevó” estuvo en los premios Óscar fue un fenómeno arrasador, tuvo 13 nominaciones y ganó 8 premios, incluyendo mejor película, mejor director y mejor actriz. Asimismo, ésta película dio el privilegio a Hattie McDaniel de ser la primera actriz afroamericana en recibir un premio tan significativo. Lamentablemente, durante la premiación, la actriz no pudo estar junto a sus compañeros debido a las absurdas reglas de segregación de la época.

«Pondré mis manos así, una a cada lado de tu cabeza, apretaré y te aplastaré el cráneo lo mismo que si fuera una nuez. De este modo Ashley saldrá de ti.»

Capitán Rhett Butler a Scarlett

Producción y rodaje ejemplar pero lleno de adversidades

«Gone with Wind» tuvo grandes conflictos para llevarse a cabo. Cambio de director, personal muy extenso tanto en la realización del guión y cambios en el mismo, así como las relaciones y conflictos entre los actores.

Vivien Leigh (izquierda) y Hattie McDaniel (derecha)

Tal es el caso del casting para la interpretación de Scarlett O’Hara, fue muy minucioso, por lo que la producción prolongó la selección durante 2 años en búsqueda de la “Perfecta Mujer Sureña”. Muchas actrices como Bette Davis, Katharine Hepburn o Bárbara Stanwyck participaron para obtener el papel. Otro de los conflictos fue que Victor Fleming no era el verdadero maestro en el proyecto, sino que fue seleccionado tras el despido del director George Cukor, quien fue el precursor de la idea, tras un posible rumor de homofobia por parte del actor Clark Gable. Por desgracia, la relación de la pareja protagónica (Vivian Leigh y Clark Gable) fue estrictamente profesional en comparación a lo que se ve en la cinta.

A pesar de todo esos pequeños y grandes tropiezos, el montaje, los vestuarios, la banda sonora y los diálogos hicieron que “Lo que el viento se llevó” fuera alabada por los críticos y por el público. Un ejemplo sería el incendio de Atlanta, quizás una de las escenas más impresionantes, y cuya ejecución fue gracias a la quema de utilería de películas anteriores. Una de las frases más impactantes de la cinta es sin duda la última línea de Rhett Butler: «Francamente, querida, me importa un bledo.(«Frankly, my dear, I don’t give a damn») causando gran polémica por ser considerada ofensiva y subida de tono.

Rhett y Scarlett: Una pareja atípica con un romance único

-Rhett Butler: Y ahora que eres tan rica puedes mandar a todo el mundo al diablo como siempre has dicho que querías hacer.

-Scarlett O’Hara: Pero tú eras el primero al que quería mandar al diablo.

Sin duda “Lo que el viento se llevó” tuvo protagonistas bastante peculiares y que rompen los estereotipos de las parejas que se ven claramente en novelas de amor. En efecto, Scarlett es una mujer ambiciosa, caprichosa, fuerte de carácter y que lucha por conseguir lo que quiere a cualquier costo. Es inteligente y astuta a diferencia de las mujeres de su época. Por otro lado, Rhett es un hombre que, conservando los estándares de ser un caballero, resulta ser un tanto rebelde y muy persistente. De alguna manera, los protagonistas están en constante conflicto debido a sus personalidades. Este «amor» estará ligado exclusivamente a sus intereses y claro, a la pasión que desarrollarán el uno por el otro. 

Estos factores provocan sin duda un turbulento, pero a la vez irónico, pasional drama. A su vez, Rhett y Scarlett nos demuestran que no necesariamente los protagonistas de las películas son príncipes azules y princesas encantadoras.

«¿Te has olvidado de lo que es vivir sin dinero? Me he dado cuenta de que el dinero es la cosa más importante del mundo y no estoy dispuesta a que me vuelva a faltar».

Scarlett O’Hara

Contexto histórico y social presente en la actualidad

Bandera confederada ondeando delante de los soldados heridos

«Gone with the wind» se desarrolla en la época de la Guerra Civil y la Reconstrucción estadounidense, específicamente en el cuadro sureño, y si bien la esclavitud ha desaparecido, hay otros temas delicados que trataron a lo largo de la película, a parte del lado romántico. El machismo y la segregación a los esclavos negros son algunos ejemplos. Sin embargo, la película (así como la novela) muestra en cierto modo una sociedad «idealizada» con respecto a la realidad que realmente se vivió. Cabe señalar que la escritora pasó toda su niñez en Atlanta bajo la influencia sureña, oyendo historias acerca de una sociedad devastada y dividida por la guerra.

En consecuencia, «Lo que el viento se llevó» muestra la nostalgia del pueblo estadounidense acerca de los problemas que aquejan y que mantienen, aún, a Estados Unidos dividido en este tipo de temas.

Quizás en la actualidad, «Lo que el viento se llevó» resulte un poco pasada de moda con las nuevas tecnologías, pero sin duda alguna es una historia que atrapa al espectador. De tal modo marcó el legado de una generación en el séptimo arte, y que inspiró a muchos otros cineastas al hacer largometrajes. 

«Tara… es mi hogar. Iré a mi casa, idearé algo para hacerle volver. Después de todo, mañana será otro día.»

Scarlett O’Hara

Por último, dejo el tráiler de la película para recordar o animar a aquellos que no la han visto…

https://www.youtube.com/watch?v=0X94oZgJis4

VIRGINIA WOOLF: UNA ESCRITORA EN CONSTANTE LUCHA.

ARTE A TU LADO.

«En la mayor parte de la historia, anónimo era mujer»

Virginia Woolf

Escritora inglesa nacida en Londres el 25 de enero de 1882, Adeline Virginia Stephen, o mejor conocida como Virginia Woolf, se convirtió en una de las escritoras más destacadas e innovadoras del siglo XX. No sólo por su modo peculiar de narrar historias, sino también por darle voz e inspiración a las mujeres de su época.

Una infancia y juventud llena de recuerdos y malos ratos.

Durante su infancia, pasó sus mejores recuerdos en la casa «Talland House» en Saint Ives, al sureste de Inglaterra, misma que daría inspiración y que plasmaría en numerables ocasiones en sus obras. No fue hasta la muerte de su madre en 1895 donde su familia decidió dejar de rentarla. Sin embargo, a la muerte de su padre en 1904, sufrió una terrible depresión. De este modo, sus hermanos deciden comprar la casa que envuelve los recuerdos de sus muy felices años.

El círculo  Bloomsbury: el fundamento de su historia creativa.

En su juventud, Virginia y sus hermanos (Vanessa, Thoby y Adrian) crearon junto a sus amigos un grupo intelectual en su residencia, el club Bloomsbury. Este grupo reunió a críticos y artistas británicos durante la primera mitad del siglo XX. Justo en ese tipo de reuniones, la escritora conoció a Leonard Woolf, con quien contraería matrimonio en 1912.

Tanto como sus hermanos y amigos, se convirtieron en pieza fundamental en el carácter y en la personalidad de sus personajes para cada una de sus novelas, un ejemplo notable es Percival, personaje de la novela «Las olas» que estuvo basado en su hermano Thoby Stephen.

Primeras obras e inicios de su carrera.

A pesar de su delicado estado emocional, Woolf escribe su primera novela en 1915 llamada «Fin de viaje» («The Voyage Out») donde presenta tanto datos autobiográficos como una sátira sobre el reinado de Eduardo VII así como el papel de la juventud femenina durante esta época.

En 1917, Leonard y Virginia fundan su editorial Hogarth Press, lo que permite a la escritora publicar fácilmente sus obras.

Ella continúa escribiendo novelas como «Noche y día» (1919) y «El cuarto de Jacob» (1922).

No hay barrera, cerradura, ni cerrojo que puedas imponer a la libertad de mi mente

Virginia Woolf

En el éxito y en la cumbre.

Woolf publicó su cuarta novela, «La señora Dalloway» en 1925, que defendía principalmente el aspecto feminista, así como los traumas vividos después de la Primera Guerra Mundial. Se convirtió en un triunfo inmediato. De esta manera, sus propias dolencias y sufrimientos sirvieron de herramienta para privilegiar la libertad de expresión a favor de las mujeres. 

En 1927, escribe «Al faro» y un año después publica «Orlando», obra que trata el tema de la transexualidad y que posee un tinte autobiográfico. Woolf nunca repudió el hecho de ser bisexual, por lo que está novela se convirtió en un inicio para hacer visible la comunidad LGBT+ en un futuro.  En 1931 «Las Olas», su obra más experimental, sale a la luz. 

En efecto, Virginia escribió su célebre ensayo «Una habitación propia» en 1929, convirtiéndose en una denuncia hacia las dificultades de las mujeres, tanto como escritoras y amas de casa en una sociedad dominada por los varones. Dicho ensayo posee una cita que dice lo siguiente:

¿Qué necesita una mujer para escribir una buena novela?

Independencia económica y personal

Últimas obras y muerte.

Hacia sus últimos años de vida, Virginia Woolf, escribió dos novelas más: «Los Años» (1937) y «Entre Actos» (1941), esta última fue publicada de manera póstuma. Tras terminar de escribirla, hundida en una nueva depresión a causa del contexto presente de la Segunda Guerra Mundial, así como los trastornos bipolares que padecía, cuyo término en aquella época se desconocía, Woolf decide quitarse la vida aventándose al río Ouse el 28 de marzo de 1941.

Legado

Virginia Woolf fue sin duda una escritora que revolucionó la literatura del siglo XX, no solo con su innovadora manera de escribir y entablar personajes, sino que a través de sus novelas y sus palabras representó y dio voz a los ideales que las mujeres necesitaban para establecer su libertad y su emancipación. Siendo así un ejemplo a seguir para el feminismo moderno. Del mismo modo, fue una escritora que utilizó la ficción (como James Joyce) y la no ficción (como William Faulkner) para exponer la sociedad que vivió entre un periodo de postguerra. 

Bibliografía.

A los amantes de la lectura les presento a continuación la bibliografía de Virginia Woolf:

Novelas

– Fin de viaje («The Voyage Out», 1915)

-Noche y día  («Day and Night», 1918)

-El cuarto de Jacob («Jacob’s Room», 1922)

-La señora Dalloway («Mrs. Dalloway», 1925)

-Al faro («To the Lighthouse», 1927)

-Orlando («Orlando: a Biography», 1928)

-Las olas («The Waves», 1931)

-Flush («Flush», 1933)

-Los Años («The Years», 1937)

-Entre Actos («Between the Acts», 1941)

Narraciones

-Jardines de Kew (Kew Gardens, 1919)

-La Señora Dalloway recibe («Mrs Dalloway’s Party, 1923)

-La casa encantada y otros cuentos («A Huanted House», 1944) escrita entre 1921 y 1941

-Freshwater («Freshwater», 1976) escrita en 1935.

Biografías

-Orlando («Orlando», 1928)

-Flush («Flush», 1933)

-Roger Frye («Roger Frye», 1940)

Ensayos

-Una habitación propia («A Room of One’s Own», 1929)

-Tres Guineas («Three Guineas», 1938)

-La torre inclinada («The Moment and Other Essays», 1947)

Cada secreto del alma de un escritor, cada experiencia de su vida, cada atributo de su mente, se hallan ampliamente escritos en sus obras

Virginia Woolf

¿Qué te pareció el artículo? ¿Aprendiste algo nuevo? 

Espero te haya gustado y nos veremos en otra interesante obra artística muy pronto. 

Miguel Ramírez

ARTE A TU LADO

«El arte no es lo que ves, sino lo que haces ver a los demás.»

Edgar Degas

Sean bienvenidos a este espacio dedicado a recordar, conocer, pero sobre todo… descubrir e inspirar.

El arte y la cultura son las claves de que podemos ser buenos humanos, así como estructurar nuestro pensamiento y criterio, haciéndolo por medio de los más profundos sentimientos que queramos transmitir. Por ende, la expresión del mismo, está al alcance nuestro en algún momento de nuestra vida.

De tal modo que he decidido explorar e indagar desde cada ámbito artístico, una pequeña parte que tenga un interés en nuestra vida cotidiana o por el simple hecho de saber algo nuevo y saciar nuestra curiosidad.

Esta sección se encargará de dar más aspectos sobre la cultura y de qué manera el arte puede estar ligado a nosotros, desde nuestra canción favorita, hasta una pintura que vimos en un museo y que quizás ya no recordemos el nombre de su autor.

Mi nombre es Miguel Ramírez, tengo 18 años, soy estudiante pre-universitario y aspiro ser comunicólogo en un futuro. Soy amante de la literatura, el teatro y de aprender cosas nuevas. Estoy consciente de mi juventud e inexperiencia, pero sé que lo que soy ahora me llevará a nuevos descubrimientos y conocimientos con el propósito de poder cumplir mis metas gracias al empeño puesto en este espacio tanto mío como suyo.

Miguel Ramírez

migue.ramirez2764@gmail.com

Diseña un sitio como este con WordPress.com
Comenzar